Baruch Berliner. Poema Sinfónico «La Creación del Mundo»
El tema de la creación del mundo, el tema del acto de la creación divina, no pudo dejar indiferentes a los artistas de todos los tiempos. Cada artista, ya sea pintor, escritor, poeta o compositor, que encuentra inspiración en este tema, ofrece su propia visión sobre la cuestión del ser y presenta su propio concepto individual. «La música y la fe, en mi opinión, están muy estrechamente conectadas. La palabra refleja el contenido de manera explícita y clara, mientras que el sonido lo refleja de manera abstracta y ambigua. Como científico, sé cómo definir el sonido de manera objetiva y precisa. Y como músico, no puedo evitar admirar cómo la aparentemente simple organización física de los sonidos, con la que se crea una melodía, despierta una amplia gama de emociones en nosotros, une sentimientos e intelecto y enriquece el profundo contenido de la Torá sobre la creación del mundo con su percepción emocional. En mi trabajo, quería combinar la Sagrada Escritura en la que tengo fe con la música que está en mi corazón, combinar el lenguaje de la Torá con el lenguaje de los sonidos. Después de los conciertos, a menudo hay un diálogo animado entre el público y yo, y me conmueve especialmente la reacción de los oyentes que sienten que son parte o participantes de la creación del mundo durante la actuación». Esto es lo que Baruj Berliner, un destacado científico, poeta y compositor, autor de artículos científicos y obras filosóficas, creador del poema sinfónico «Génesis», dijo en una entrevista en vísperas de su 80 cumpleaños.
El tema global, el profundo contenido, la riqueza melódica, las interesantes características dramáticas y estilísticas de «Génesis» de Baruj Berliner lo sitúan entre los logros significativos del arte mundial relacionados con temas bíblicos. La naturaleza sintética de la obra evoca asociaciones con imágenes bíblicas en la pintura, la literatura, la poesía, el teatro y la música. El compositor definió el género de «Génesis» como un poema sinfónico. Este género, que surgió en el siglo XIX en la obra de Franz Liszt (1811-1886), se difundió y pronto se convirtió en el principal en el campo del sinfonismo programático, creando muchas interpretaciones diferentes. Baruj Berliner entrelaza libremente diversas tradiciones del género desarrolladas por compositores europeos. Como resultado, la obra original con una interpretación individual del género se presenta ante el público.
Una característica indispensable del género es la programación, enriquecida con elementos de teatralidad que se manifiestan, en particular, en el desarrollo progresivo de la trama musical, y en las características del timbre. El tipo de programación puede definirse como un cambio de una forma generalizada a una forma secuencial y argumental, que a menudo se encuentra en los poemas del siglo XX. Pero la Biblia como fuente del programa se utiliza por primera vez. Además, el narrador que recita las líneas sagradas de la Torá se convierte en el personaje más importante del poema sinfónico.
En el aspecto dramatúrgico, notamos la interconexión de las características épicas, dramáticas y líricas, que son típicas del género del poema y en parte de la balada. Todos los componentes de esta tríada en el poema de Berliner, están armoniosamente combinadas, y las letras, por supuesto, tienen un gran peso. La estructura de «Génesis» pertenece a la categoría de poemas sinfónicos de varias partes con una estructura continua.
El número de partes está impulsado por la idea del programa; todas ellas están vinculadas estrechamente tanto por el texto, como por técnicas musicales específicas. El mismo concepto de poema en la música, implica el deseo de unir, borrar los límites entre partes y secciones de una obra, así como la libertad en soluciones compositivas, individualización de formas musicales. Las siete partes del poema sinfónico de Berliner, como los siete capítulos de un libro (el poema es originalmente un género literario), pueden asemejarse a siete secciones de una única composición grande. Las partes se suceden sin interrupción y a veces están conectadas por interludios improvisados. Elementos de monotematismo, arcos temáticos y un sistema de leitmotivs unen firmemente toda la obra. Los leitmotivs pueden transformarse dependiendo de la trama. Por un lado, ayudan al público a orientarse en el contenido, las intenciones del autor y las imágenes de la obra; por otro lado, hacen que la forma sea unificada.
La idea de crear el poema sinfónico «Génesis» fue sugerida por Najum Slutzker, un maravilloso músico y maestro, a quien Baruj Berliner conoció en 1994. Cuando aún estaba en Suiza, mientras trabajaba en su tesis doctoral, Berliner tenía un cuaderno especial donde anotaba las melodías que aparecían en su cabeza durante las horas de ocio, durante un descanso de números, fórmulas y gráficos. Después de pasear por el lago de Zurich, tocaba estas melodías en el violín, que sabía tocar un poco desde los 11 años, habiendo recibido las habilidades necesarias del famoso violinista y compositor Oeden Partos en Israel. En 2007, Baruj mostró sus partituras de Zurich a Najum Slutzker. Las melodías le causaron una fuerte impresión; algunas de ellas evocaron asociaciones con imágenes de la creación del mundo. Y entonces, según los recuerdos de Slutzker, comenzó el trabajo en una grandiosa pieza de música. Según Najum, es un verdadero placer trabajar con Berliner y ser su productor. Es una persona con el alma más pura, absolutamente tolerante, abierta a la cooperación creativa, que «permite» a las personas afines, en quienes confía incondicionalmente, hacer algunos ajustes o adiciones, brinda a cada participante del proyecto la oportunidad de sentirse como un socio, en parte incluso un coautor. ¡Es inspirador!
El estreno de «Génesis» se llevó a cabo en 2010 en la Sala de Conciertos del Museo de Tel Aviv por la Orquesta de Cámara de Israel bajo la dirección de Karin Ben-Yosef. El narrador fue Zvi Salton, un locutor de noticias de la estación de radio estatal Voice of Israel. La obra fue recibida con entusiasmo por el público. Una cálida bienvenida, una tormenta de aplausos y críticas positivas de la prensa animaron al compositor a seguir trabajando en el poema, en particular, a añadir una parte muy importante de «Caín y Abel». Desde entonces, «Génesis», como un organismo vivo, ha estado en constante desarrollo y mejora. Hay varias versiones de la partitura, así como diversos formatos de interpretación, incluido el rock sinfónico con escenografía y ballet. Cada director que tocó la partitura, hizo una contribución particular con su interpretación individual y dejó una marca en la vida de la composición. La primera orquestación fue escrita por Eugene Levitas, un compositor y arreglista israelí. En 2019, el director austriaco-israelí Ronen Nissan amplió y reorquestó «Génesis». La versión final pertenece al director ruso Mikhail Kirchhoff (2020).
Antes de adentrarnos en el análisis de la partitura, tomemos un momento para centrarnos en un aspecto importante de ella: el arte visual. El compositor Baruj Berliner y el coautor del proyecto Najum Slutzker presentaron una serie de desafíos a Yaron Shin, un ilustrador, diseñador y animador. Uno de estos desafíos, según el artista, fue particularmente responsable e incluso intimidante: crear una interpretación gráfica de la Biblia y la grandiosa composición orquestal asociada con ella. «Cuando comencé a hacer los primeros bocetos, traté de combinar tres aspectos. El primero era el texto y la tipografía. El segundo eran los patrones en el fondo. Y el tercero era crear la apariencia de los seres humanos junto al texto hablado por el narrador…» La serie de videos sirvió eficazmente para visualizar, ilustrar el contenido musical, ayudar a la audiencia a comprender el concepto de la obra y también tenía un papel decorativo al agregar color a la acción musical y sinfónica, donde la dramaturgia del color acentuaba la dramaturgia tonal.
Además, la tarea más desafiante que enfrentó Yaron Shin, que inicialmente consideró casi imposible, fue mantener el tempo-ritmo de la serie visual. Este desafío surgió debido a la gran escala del proyecto, que implica recitar los textos bíblicos en el idioma del país donde se presenta «Génesis». Con la Biblia traducida a casi 700 idiomas y dialectos, la duración del sonido del texto en diferentes idiomas no siempre coincide con el original, a veces varía significativamente. También se deben considerar las variaciones individuales en la percepción del tempo por parte del director, la orquesta y el narrador. Por lo tanto, la serie de videos se calcula meticulosamente para cada concierto y es controlada manualmente por un operador experimentado que conoce bien la partitura.
Al convertirse en una parte integral de la partitura de «Génesis», el arte visual de Shin cumple otro papel importante. Sirve como una generalización de la esencia de la existencia humana desde los tiempos bíblicos hasta el día de hoy: el inicio de todas las cosas, la creación de la humanidad, la caída, el asesinato, las catástrofes naturales y sociales… ¿Qué ha cambiado? ¿El vicio? Tal vez la curiosidad y la búsqueda de conocimiento, incluso en contra de las prohibiciones, no sea un pecado tan grave hoy en día. Quizás la envidia, el interés propio, la sed de poder. ¿Una lucha interna entre el bien y el mal? ¿Especificaciones técnicas de armas? Pero no el acto de asesinato en sí. En efecto, el disparo de Caín llama la atención. ¿Podría ser el Caín bíblico? La serie de videos actúa como una capa paralela de la partitura, mejorando la percepción de la música, provocando la reflexión y posiblemente llevando a una reevaluación, agudizando la perspectiva sobre los problemas eternos de la humanidad.
Ahora, permitamos que el creador del poema sinfónico «Génesis», Baruj Berliner, comparta sus pensamientos: «La elección de siete partes para el poema no es casual. La primera parte – La Creación del Mundo – es un tema eterno, la pregunta principal de todas las preguntas que siempre ha interesado, interesa y continuará interesando a las mentes más brillantes. Por lo tanto, pensé que era apropiado comenzar el poema desde el primer día, cuando el potencial creativo del Creador estaba concentrado al máximo, con todas las etapas de la Providencia Divina aún por desplegarse, hasta nuestra propia existencia. La segunda parte – la creación de Adán y Eva – nos confronta con la idea de que la humanidad es la cima de la creación. Surge un dilema filosófico: ¿se creó todo el mundo solo para la humanidad? Dios dotó a los humanos con instintos de Bien y Mal, predestinando la libre elección. Elegí este tema como el central en las partes siguientes. El instinto del Mal lleva al pecado, y el pecado al castigo, cuyo propósito es evitar futuros pecados. El nivel de pecado y castigo aumenta gradualmente de parte a parte: la caída de Adán y Eva (tercera parte), el fratricidio (cuarta parte) y la casi completa destrucción del universo en el diluvio (quinta y sexta partes), porque ‘la inclinación del corazón del hombre es mala desde su juventud’. A pesar de esto, según la Torá, Dios pone un arco iris en las nubes como señal del pacto con la humanidad (la séptima parte), ofreciéndonos esperanza de tiempos mejores. Siendo una persona optimista, elegí concluir el poema en esta nota positiva.»
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Parte No. 1: «La Creación del Mundo». El primer día. El poema comienza con una impresionante explosión cósmica (es importante destacar el enfoque científico del científico Baruj Berliner sobre la formación de la Tierra). Igualmente impactante es el fondo: el Gran Libro, la Biblia, emerge de las profundidades del espacio, revelando sus textos atemporales ante nosotros.
La voz de Baruj Berliner en hebreo, el idioma original de la Torá, pronuncia solemnemente y con fervor las frases iniciales de las siete partes del poema, superponiéndolas polifónicamente, como si se apresurara, tratando de tener tiempo para identificar los principales hitos y puntos de inflexión en la historia de la humanidad. La polifonía verbal también se refleja en la serie de videos. ¡Es muy majestuosa, sorprendente! Los autores te hacen involucrarte instantáneamente en la interpretación, alejarte de los problemas cotidianos, entrar en el Libro abierto y sumergirte en el mundo de lo eterno, de las cosas imperecederas.
Narrador: «En el principio, Dios creó los cielos y la tierra. La tierra estaba desordenada y vacía. Y la oscuridad estaba sobre la superficie de las profundidades, y el Espíritu de Dios se movía sobre la superficie de las aguas». Dios creó el mundo de la nada: Creatio ex Nihilo. En el poema, el sonido «NADA» aparece en forma de un retumbo distante creado por el trémolo de los timbales en un registro muy bajo en pianísimo.
Narrador: «Y Dios dijo: ‘Haya luz’, y hubo luz». Un rayo tímido de la primera luz, tratando de atravesar la oscuridad, se «enciende» suavemente en los clarinetes y violines en pianisimo en el registro alto, delineando de inmediato el espacio con la ayuda de la estratificación timbral-registro en «arriba» y «abajo». Entre ellos hay un vacío sin forma.
Narrador: «Y Dios vio que la luz era buena. Y Dios separó la luz de la oscuridad». En el quinto compás, aparece la tercera capa de textura: el tema principal surge de los contrabajos, elevándose pesadamente desde la oscuridad: el leitmotiv de la creación del mundo. Y en el sexto, se activa la cuarta capa: en la parte de la flauta y el piccolo, el xilófono, arpas y piano en el registro alto, destellos de luz parpadean como «fragmentos de una explosión». Su emergencia temática es la aparición del mundo en la obra, la aparición de la vida. El desarrollo paralelo de «arriba» y «abajo» simboliza la separación de la Luz de la Oscuridad.
¡Hay tantos eventos en la primera página de la partitura! Esto es una introducción. Pasamos la página. Comienza la acción, que consta de cuatro episodios según el principio de desarrollo variante. En el primero, las violas, cellos y contrabajos, que aún están en una textura desencarnada, con movimiento paralelo de acordes de cuarto-octava que avanzan lentamente y uniformemente sobre el fondo del ritmo de trémolo sincopado ostinato de los timbales y violines, exponen el severamente arcaico tema de la creación del mundo, el leitmotiv principal de la obra. E inmediatamente surge un conflicto: irrumpe otro tema importante del ciclo, el leitmotiv de la destrucción, que contrasta bruscamente con el principal (un breve motivo de cuatro sonidos de dos terceras menores conectadas por la cuarta disminuida con un ritmo agudo y un timbre igualmente agudo, el unísono de flauta, flautín y piano).
Hablando desde un punto de vista dramatúrgico, esto es una exposición, pero al mismo tiempo, ya es el comienzo de un drama. Se forman inmediatamente dos sistemas entonacionales opuestos, cuya oposición subyace en la dramaturgia de un poema sinfónico. Los temas de la «esfera de creación» son melódicos, extensos, diatónicos, tranquilos y equilibrados; pero los temas de las «esferas de destrucción» son angulares, con ritmos agudos (líneas de compás punteadas, síncopas, tríos, técnicas de polirritmo), elementos cromáticos, movimientos a intervalos reducidos y aumentados, acompañados de acordes disminuidos de séptima y armonías inestables.
En la segunda afirmación, el leitmotiv principal crece, se complementa con una segunda frase y adquiere una forma acabada. Entre las dos frases, rompiendo la narrativa épica, destella el motivo de destrucción, así como una cita corta pero fácilmente reconocible del Concierto para dos violines y orquesta en re menor de Bach (flautas unísonas y xilófono). En la segunda frase, la pureza del tema de Bach se rompe por el motivo invasor de la destrucción (trompetas, trombones). El significado de usar esta cita y su combinación tan inarmónica con el tema de la destrucción se revelará en la cuarta parte del poema: «Caín y Abel».
En la tercera afirmación, la tensión aumenta. La compactación de la textura, la saturación con voces internas, la expansión del rango y el desarrollo dinámico llenan gradualmente el espacio, dan corporeidad a la imagen inicialmente incorpórea del Universo. La culminación de la primera parte es un alegre y solemne tutti en sol mayor, anunciando el evento principal del universo: la aparición del hombre, la corona de la creación del Todopoderoso. En la cresta de una ola dinámica, se proclama un nuevo tema de la creación del hombre, brillante y entusiasta, así es como Dios concibió a su descendencia.
Pero, ¡ay!… Más adelante, caos: ¿es la actividad destructiva del hombre o conflictos emocionales irresolubles? Ahí está la lucha nuevamente. En la última y culminante declaración del tema de la creación del mundo, el conflicto externo se convierte en uno interno. Habiendo ganado fuerza y energía, ambos temas opuestos suenan dos veces en los cuernos con cuerdas en medio de pasajes frenéticos de instrumentos de viento madera agudos, arpa y piano. El primer intento de lucha termina sin éxito, dando paso al leitmotiv de la destrucción. Pero el segundo, donde el tema de la creación se fortalece, apoyado por instrumentos de viento madera, trompetas y piano, suena como quintas paralelas: deliberadamente arcaico-primitivas, pero poderosas, arrasan con el leitmotiv de la destrucción y afirman la victoria final de la Luz y la Creación. Este es el segundo clímax, después del cual llega la calma y la iluminación. La primera parte cumple la función de una obertura: se expone el concepto principal de la obra, se delinean las imágenes y conflictos principales, y se exponen los temas principales.
La segunda parte es preparada por un interludio de piano en el género de «lectura con música». El texto habla sobre el sexto día de la creación, sobre la formación del Jardín del Edén y del hombre. La introducción de dos compases se ilustra con las palabras «entonces el Señor Dios formó al hombre del polvo de la tierra»: pasajes ascendentes sin una melodía que aún no están acabados rítmicamente, textualmente, armónicamente. Y luego el compositor crea a una persona a partir de un cuerpo sin vida, «polvo», forma una melodía, ¡el alma de una persona! («y sopló en sus narices el aliento de vida, y el hombre se convirtió en un ser viviente»).
N.º 2 «Adán y Eva» es una maravillosa escena de amor, una danza amorosa que es a la vez divinamente sublime y humanamente mundana y sensual. Toda la parte se basa prácticamente en el desarrollo de un tema musical. Este es un tema casto, líricamente suave y conmovedor de amor, quizás el más hermoso de la obra, porque el Amor es lo más maravilloso que Dios ha dado al hombre. El compositor elige el romance en ritmo de vals como la base del género de la segunda parte, conectando dos géneros musicales «de amor». El amor es uno para dos, por lo tanto, una sola melodía combina las imágenes de un hombre y una mujer. La personificación de los personajes ocurre debido a las diferencias de timbre: el sonido del tema de los instrumentos de viento madera se asocia con la imagen de Adán, y el solo de violín que se eleva en una nube etérea se asocia con la imagen de Eva.
Basado en la distribución del texto, asumimos que la intención del autor en esta parte era ligeramente diferente, a saber: Dios crea amorosamente al Hombre, la corona de Su creación, y esta melodía emotiva se refiere al estado emocional del Creador. Además, es una transformación monotemática del tema de la creación del hombre de la primera parte. ¡Pero realmente es sensual, ingeniosamente simple y humano!
El segundo interludio consta de dos partes. La primera sección, por así decirlo, concluye la parte anterior, da tiempo para comprender su contenido y permanecer un poco más en el estado bendito e inocente de los primeros seres humanos. Y el texto ya habla sobre el castigo, y en la segunda sección se forma el tema del exilio del Paraíso. El último pasaje descendente del piano es pictórico, que es una inversión del inicial del primer interludio: «Eres polvo y al polvo volverás».
N.º3 «La Expulsión del Paraíso». La línea de desarrollo musical de la tercera parte se despliega desde la lírica emotiva hasta un desenlace dramático, un clímax-crash en el motivo de la secuencia medieval Dies irae (El Día de la Ira), que simboliza la ira de Dios que destruye la idílica vida en el paraíso de los primeros seres humanos.
El comienzo de la parte no parecía presagiar giros terribles del destino. Una vez más, el talento melódico del compositor lo ayuda a crear un sonido melodioso, y uno puede disfrutar de la extensa cantilena de la viola y su continuación emocional en la segunda frase: los oboes se unen, y luego las flautas llevan la suave y conmovedora entonación lamentosa en alto. Solo en retrospectiva entendemos que esta hermosa melodía se basa en la entonación de Dies irae (¡excelente dominio del compositor de la técnica del monotematismo!). El desarrollo dinámico aspirante se logra de varias maneras, pero la principal es la compresión de la declaración posterior, hasta una barra en el clímax.
N.º4. «Caín y Abel». Al dirigirse a temas mitológicos, los grandes compositores siempre han abordado no solo temas eternos, sino también problemas actuales. La filosofía del bien y el mal, los conflictos del universo, las guerras fratricidas, el dolor y el sufrimiento humanos, la tragedia de naciones enteras: así se puede esbozar el contenido de la cuarta parte, la más grande en el poema, una especie de ciclo dentro de un ciclo. Se abre con una introducción, cuya función principal es ser un fondo ilustrativo para el texto del narrador. Pero no solo eso.
Narrador: «Y conoció Adán a su mujer Eva, la cual concibió y dio a luz a Caín». Y de nuevo un conflicto simultáneo: «concibió y dio a luz» – creación, «Caín» – destrucción. Es este conflicto el que sirve de base para el desarrollo musical de toda la cuarta parte. En la introducción, al igual que en la primera parte, la partitura se divide en «arriba» y «abajo»: un glissando grave de timbales, el sordo ruido de los contrabajos a un tempo lento en una dinámica suave, y un xilófono en el registro superior, que comienza a formar un tercer timbre-motivo inquieto y punzante de las tentaciones diabólicas, una variante del tema de la destrucción.
La formación gradual de los temas y el tono general del sonido también son similares a la primera parte. La entonación del tema de la creación del hombre aparece durante la historia del nacimiento de Abel. Con las palabras «Cain se enojó mucho», los violonchelos y contrabajos entonan el «intervalo diabólico» tritono. Así, podemos hablar de un arco figurativo y temático con la primera parte, que sirve como factor unificador de la obra. La parte principal comienza con el conflicto vertical.
Narrador: «El pecado acecha a la puerta. Su deseo es por ti, pero debes dominarlo». ¡El hombre obtiene el derecho de elegir! La lucha mental y la búsqueda de una solución continúan a lo largo de la parte. El compositor elige la antigua forma de bajo ostinato, que permite un análisis profundo y multifacético de los matices más sutiles de las experiencias emocionales del personaje. Numerosas variantes melódicas colorean el tema de bajo de cuatro compases, revelando nuevas facetas de los estados emocionales. Además del principio de construcción variacional, un gran conjunto se mantiene unido por una dramaturgia de onda: las primeras tres ondas de conflicto creciente, cada una de las cuales termina de manera más intensa, llevan a un clímax dramático de gran poder emocional; y la última lleva al clímax general y al desenlace trágico del drama instrumental.
Narrador: «Y dijo Caín a su hermano Abel: Vayamos al campo». Y cuando estaban en el campo, Caín se levantó contra su hermano Abel y lo mató». Disparo, y estupor. Silencio. La música se corta. El mundo se ha derrumbado. Las intonaciones distorsionadas de la introducción, el mismo tritono del enojado Caín, comienzan a sacarnos de este estupor. Luego hay una estratificación de la textura con una disharmonía completa de capas, una recitación torpe de violonchelos y contrabajos, cromatismos indistintos del clarinete y la flauta, inquietante trémolo de flauta, destrucción de la tonalidad, la melodía y el ritmo. La segunda caída destruyó la armonía del Universo. El leitmotiv de la destrucción suena con las palabras «y ahora estarás bajo una maldición» (maldición como la destrucción de la relación entre el hombre y Dios). Un golpe fuerte en unísono en la nota Si, como una repentina realización de una maldición, sume en un estado de miedo y confusión. Las variaciones sobre el bajo ostinato regresan y continúan el desarrollo interrumpido. Hay una tensión extrema; todos los temas de la «esfera de destrucción» están involucrados. Todo el largo clímax se basa en una cita musical del Concierto para Dos Violines de Bach, que se escucha por primera vez en la primera parte del poema sinfónico. El autor del estudio descubrió la clave para desentrañar el significado de la cita en conversaciones con Baruch Berliner. Johann Sebastian Bach es el compositor favorito de Berliner, un símbolo del arte musical, la estructura racional del Universo, un cristiano profundamente creyente y al mismo tiempo un gran lírico, humanista, que enalteció al Hombre y su esencia divina, dirigió todo su genio creativo a glorificar la armonía cósmica de Dios y el Hombre. La tierra alemana es la madre de los pilares más grandes de la ciencia, la cultura y la educación, la filosofía, la literatura y el arte, que trajeron al mundo a Bach y Beethoven, Goethe y Schiller, Kant y Hegel… ¿Cómo podría un país tan grande crear un Mal universal como el fascismo? Esta pregunta, según Baruch Berliner, lo atormenta toda su vida. Y estos no son pensamientos abstractos. El chovinismo nacional alemán y el antisemitismo de finales de la década de 1930 afectaron directamente a su familia, que se vio obligada a abandonar Berlín en 1937 y huir a Palestina para salvar sus vidas. Los nazis destruyeron a todos los parientes del compositor que quedaron en Europa. ¿Qué está pasando? ¿Por qué lucha hermano contra hermano? ¿Por qué se levanta un pueblo contra otro pueblo? ¿Por qué se destruyen judíos y eslavos? El rápido desarrollo del tema de Bach estalla con el trágico clímax general de toda la parte, casi una cita del tema de invasión de la Sinfonía n.º 7 «Leningrado» de Dmitri Shostakóvich, como símbolo de enemistad, guerra, asesinato, maldad mundial. Al final, todo disminuye gradualmente: aniquilación total, la armonía del mundo está destruida; la siniestra procesión abandona este lugar.
N.º5 «Noé». La quinta parte del poema se llama «Noé». El texto del narrador, bastante extenso, cuenta la historia del único ser que agrada a Dios y que no está hundido en pecados. En cuanto a la música, no es un retrato de un hombre justo bíblico ni una historia sobre él. El tema lúgubre y trágico, lleno de sufrimiento profundo, encarna los sentimientos difíciles del Creador, su decepción en su creación: «Y vio el Señor que la maldad de los hombres era mucha en la tierra, y que todas las imaginaciones de los pensamientos de su corazón eran de continuo solamente malas. Y pesó al Señor haber hecho hombre en la tierra, y afligióse en su corazón».
Como base de género para la música de la quinta parte, el compositor elige la melancólica danza de la pasacalle y, en consecuencia, la forma de variaciones sobre el bajo ostinato, como en la parte anterior. Además, en la segunda variación, con las palabras «Y dijo el Señor: ‘Borraré de la faz de la tierra a los hombres que he creado'», suena junto con el leitmotiv de destrucción la línea de bajo descendente desde «Caín», en semitonos, como si estuviera obligando insistentemente a una persona a aprender la lección: el pecado mortal no quedará impune.
El tema principal de luto es una cita musical del Allegretto de la Sinfonía n.º 7 de Beethoven, que no es exacta, pero solo delinea las características melódicas más destacadas de la famosa pasacalle del gran clásico vienés. El tema de ocho compases se exhibe después de una breve introducción, donde en la parte de campanas, arpa y piano se pueden escuchar tanto las gotas del futuro diluvio como las lágrimas del Señor, que más tarde se convertirán en una capa textural de las variaciones. En la tercera variación, el estado lírico y lúgubre se realza con la melodía lamentosa de la trompeta, que regresará en la última y culminante. La cuarta variación encarna el «pecado» de manera un tanto grotesca: el solo de viola lleva uno de los temas de la esfera de destrucción con el ritmo de un tango apasionado y fascinante. En la quinta, el tema principal del cuerno choca con el tango en curso. El contrapunto de dos esferas en conflicto conduce nuevamente a la destrucción. Y en la sexta variación, no hay tema de la esfera de destrucción, aunque las palabras del narrador parecen sugerir su sonido («los borraré a ellos y a la Tierra junto con ellos»). El estado interno pasa a primer plano: tristeza, profundo pesar, dolor, tragedia humana. Pero el ritmo constante del tambor comienza a marcar el tiempo…
Después de la séptima variación, comienza una larga zona culminante. En la última novena, se mezclan todos los elementos del desarrollo previo en un contrapunto llamativo. Los violines y las violas lideran el tema principal de luto. Las campanas, el arpa y el piano tienen un tema triste de lágrimas. Las trompetas y los cuernos tocan con desesperación la melodía lamentosa de la tercera variación. Los instrumentos de madera en el registro agudo interpretan el tema de Bach. El resto de los instrumentos cuentan los últimos minutos de vida con un ostinato rítmico constante. Y todo este sonido resonante y conflictivo es interrumpido por el leitmotiv principal de la destrucción que suena por última vez. Los instrumentos de viento dejan de tocar. Melodía disolvente. Menor. Un diminuyendo que se desvanece. Gotas. Desesperanza. Partida.
¿Por qué se utiliza una cita de la passacaglia de la Sinfonía No. 7 de Beethoven? Esta pregunta se le hizo al coautor del proyecto, Najum Slutzker. Fue él quien sugirió la idea de usar la cita. Según él, adoraba esta sinfonía desde la infancia y siempre se inclinó ante el genio de Beethoven, ante la gran influencia de su música, que nunca se agotará y que pertenece a la eternidad. La profundidad del pensamiento y la increíble simplicidad de esta música ingeniosa también son sorprendentes. Los autores intentan llevar a la audiencia a reflexiones serias sobre el arte musical y las formas de su desarrollo. Al igual que muchos músicos, están muy preocupados por los problemas del estado actual de la música, cuando el arte clásico genuino está siendo reemplazado por tendencias modernistas novedosas, invenciones de todo tipo de técnicas de composición, sistemas artificiales, la magia de los números, gráficos y espirales, métodos inusuales y desconocidos de producción de sonido, instrumentos preparados, etc. Muchos compositores modernos, impulsados por un deseo apasionado de ser extraordinarios a toda costa, a menudo olvidan el verdadero propósito de la Música en su búsqueda incesante de medios innovadores. Aquí está el credo estético de los autores del proyecto: la Música es un regalo de Dios. La melodía es el alma de la música. Sin melodía, no hay música real. Su ausencia no puede ser reemplazada por ninguna de las técnicas más sofisticadas de composición musical. ¿Para quiénes son estas invenciones? La melodía lleva significado y creación, mientras que la cacofonía es la destrucción de la música. Los propios músicos a menudo interpretan con dificultad tal música y solo por necesidad. ¿Quién escucha esta música? ¿Los compositores escriben para sí mismos o para los demás? Organizan competiciones y otorgan premios. ¿Cuál es el futuro de estas obras? ¿Quién, dónde y cuándo las interpreta? ¿Las escucha? ¿Las recuerda? ¿Se habla de ellas? La función hedonista del arte es la principal. Las fugas más complejas y perfectamente construidas de Bach son ingeniosas y eternas porque son melódicas y ciertamente contienen una imagen artística. Esa es la razón para crear una obra de arte; es el significado del arte. La constitución no puede ser el significado de una creación artística real, sino solo el marco. El mensaje no puede ser un dispositivo técnico. En lugar de una obra de arte, obtendrás un manual para el estudio de este dispositivo técnico. Por supuesto, el Universo no dicta hermosas melodías a todos. Los grandes melodistas quedan en la historia para siempre.
Baruj Berliner contrasta las técnicas ajenas a la música con una melodía simple, comprensible para cualquier persona (¡pero no vulgar ni trivial!) que toca las cuerdas del alma humana y acerca a la persona a la manifestación más elevada de lo Hermoso en todas las cosas. Finalmente, a Dios. Él habla a la Biblia en un lenguaje simple y claro.
¿Por qué los autores del proyecto tocaron el tema más importante del propósito de la música en esta parte? Intentemos reflexionar sobre esto. Berliner percibe la destrucción de la melodía como la destrucción de la música misma y la equipara con la destrucción de la vida, con el diluvio global. Berliner en esta parte del poema sinfónico, como Noé, fiel y devoto a Dios, declara el postulado de su fidelidad a la melodía. Y la Sinfonía No. 7 compuesta por Ludwig van Beethoven se utiliza en esta obra como un símbolo del verdadero arte, eterno e imperecedero, como la Biblia.
N.º6 «El Diluvio». Basada en la trama, la sexta parte es una continuación directa de la quinta. Sin embargo, su función en el poema sinfónico en su conjunto puede definirse como una recapitulación dinámica en términos de dramaturgia musical. El arco temático, presente en la obra desde la primera parte, otorga no solo una integridad estructural, sino también dramatúrgica a toda la obra. Antes del final de la historia humana, el compositor recuerda su comienzo, nos hace reflexionar sobre las razones de las esperanzas no cumplidas, las expectativas irrealistas del Universo y el Paraíso perdido entregado al hombre. Episodios épicos, dramáticos, decorativos e ilustrativos se alternan en esta parte tan colorida e ilustrativa.
La introducción es idéntica a la introducción de la primera parte. En el contexto de la trama, la percepción de algunos temas se reinterpreta. Por ejemplo, fragmentos de luz ahora se asocian con gotas de lluvia, y de ellas se ensambla el tema del diluvio. El leitmotiv de la creación del mundo en el primer episodio se asocia con el arca de Noé, lo cual es bastante lógico, ya que es el comienzo de un nuevo nacimiento de la vida en la Tierra. Suena tranquilo, con lentitud épica, ligero y seguro (originalmente un tema menor aquí en Sol mayor) en un cálido y profundo timbre de un violonchelo solista. Aquí está la última mención de la creación del hombre: el motivo inicial de la segunda parte (el tema de la creación del hombre) destella dos veces, interpretado por flautas y luego por clarinetes en pianissimo, primero en mayor, luego en menor: «Todo pereció»… Tres episodios centrales pintan escenas del apocalipsis. Son tensos y poderosos; la dramática y la expresividad se fusionan aquí juntas. Los pasos silenciosos de la muerte los preceden, el pizzicato de los violonchelos y los contrabajos: «Todo ser viviente que había en la tierra se murió». Luego, la acumulación de energía, la concentración de energía, y el dominio indiviso de los temas de la destrucción, la danza de la muerte, barriendo todo a su paso. Polirritmias, movimientos multidireccionales, fragmentos parpadeantes de motivos, rodando hacia el abismo infernal (un eco de la culminación-catastrofe de Caín) transmiten una agitación caótica, confusión, gritos desesperados, llantos de horror. La culminación de la destrucción universal es el tercer episodio de sonido expresivo. La asombrosa habilidad de plasmar el elemento acuático desbordante, que consume sin piedad y arrastra todo lo vivo al abismo, solo se compara con el insuperable pintor marino Aivazovsky y el «compositor marino» Rimsky-Korsakov. Los enormes chapoteos de agua están literalmente trazados en la partitura: pasajes ondulados de flautas, clarinetes y cuerdas, glissandos de arpa de un rango inimaginable, llevados hacia la nada. La «desorientación» del diluvio se crea mediante un modo de tonos enteros, desprovisto de tendencia armónica. También se puede hablar de una ola temporal que une toda la parte: gotas – lluvia – llegada del agua – la absorción de la Tierra (en la cresta de la ola) – y el descenso del agua, mostrado con la ayuda de pasajes cromáticamente deslizantes, golpeando y gradualmente desvaneciéndose de flautas, arpa, piano y cuerdas temblorosas en lo alto. El tema recurrente del arca simboliza la salvación de Noé. La recapitulación del primer episodio tiene un pequeño pero significativo cambio en comparación con la exposición, a saber: la segunda declaración del motivo de la creación del hombre, que al principio sonó como un adiós, se interpreta ahora en tonalidad mayor y, lo más importante, en un llamado al Todopoderoso. Está dirigido hacia arriba, hacia el renacimiento («¡Solo Noé y los que estaban con él en el arca quedaron con vida!») Después de esto, el pasaje del arpa lleva el arco iris al cielo.
N.º7 «El Símbolo del Pacto». Narrador: «Entonces Noé construyó un altar para el Señor y ofreció holocaustos en el altar… Y el Señor percibió la agradable fragancia». La unidad de los principios expresivos e ilustrativos brinda nuevamente a la audiencia la oportunidad de disfrutar de una música hermosa y «leer» el contenido de la obra a través de las notas al mismo tiempo. Después de las tormentas destructivas de la parte anterior, llega un bendito esclarecimiento: Do mayor, diatónica, arpa y piano tienen motivos gráficos que delinean el espacio e iluminan entre el cielo y la tierra. Es un tema del arco iris. La entonación tercera ascendente del tercer al quinto grado al final de cada motivo, como si llevara el aroma en alto. Flautas y clarinetes hacen eco al narrador, quien da voz al texto, cuyo significado es el perdón: «Nunca más maldeciré la tierra a causa del hombre, porque el intento del corazón del hombre es malo desde su juventud; y nunca más destruiré todo ser vivo, como lo he hecho». El compositor no pasa por alto los detalles: con las palabras «el intento del corazón del hombre es malo desde su juventud», aparece una línea descendente en la melodía junto con los sonidos de un acorde de séptima disminuida, pero la frase termina con la misma tercera ascendente. El crecimiento gradual de la textura simboliza el nacimiento de una nueva vida, la formación de un nuevo mundo, brillante y hermoso. En segundo plano del tema del arco iris, el cuerno, apoyado por el violonchelo, canta una melodía simple y natural, como la naturaleza misma, en la que se generalizan las intonaciones de todos los temas líricos del poema sinfónico.
Entre las interpretaciones de varias variantes del tema, la idea musical principal del poema sinfónico, el leitmotiv de la creación del mundo, interpretado por cuerdas y piano, suena por última vez de manera clara, ligera y sublime. Aquí está, el pacto del Todopoderoso: la armonía del Universo, la unidad del hombre con la naturaleza y Dios.
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Baruj Berliner es un matemático, artista y filósofo que comprende los eventos e historias de la historia de la humanidad y la modernidad, crea su propio mundo en sus obras y comparte sus puntos de vista, pensamientos y emociones con la gente. También es una persona profundamente religiosa, poeta y compositor, el creador de música, poemas, fórmulas, ideas, que combina armónicamente las experiencias espirituales y racionales, predicando con su arte la bondad y la racionalidad del orden del Universo, separando la Luz de la Oscuridad, rechazando el odio y la envidia, glorificando el Amor todopoderoso.
Marina Plazinskaya for belcanto.ru