Baruj Berliner. Fantasía concertante para piano, “Génesis”
La Fantasía concertante Génesis para piano solista y orquesta sinfónica es una creación del compositor israelí Baruj Berliner—un reconocido investigador, matemático, filósofo, poeta y compositor. Sus obras han sido interpretadas en todo el mundo con constante reconocimiento y aplausos del público.
La música sinfónica ocupa un lugar central en los intereses del Dr. Berliner como compositor, con sus obras más destacadas en el género del poema sinfónico, como lo demuestran piezas como «El Sacrificio de Isaac», «Abraham», «El Sueño de Jacob» y «Génesis».
En los últimos años, el compositor ha estado explorando el concierto—un género inextricablemente vinculado al poema sinfónico dentro de su obra.
Casi todas las obras principales del Dr. Berliner tienen elementos programáticos, usualmente basados en relatos e imágenes bíblicas. Como compositor neorromántico, interpreta las narrativas bíblicas en un estilo lírico, épico y, al mismo tiempo, dramático. En el período posromántico, muchos compositores lucharon por conservar elementos líricos mientras trascendían los límites del lirismo o, en otras palabras, buscaban un equilibrio entre lo lírico, lo épico y lo dramático. La inclusión de elementos épicos en obras líricas ha dado resultados muy diversos—desde el cosmismo de Scriabin hasta el paganismo de La consagración de la primavera de Stravinsky. En las obras del Dr. Berliner, la narrativa épica siempre está acompañada de un sentimiento personal y una reflexión conmovedora sobre las controversias actuales a través del prisma de las Sagradas Escrituras. Todas sus composiciones son una narrativa en primera persona por parte de un participante en los acontecimientos.
Con el cambio de siglo, el neorromanticismo ha ido ganando cada vez más espacio en el universo musical. Tras haber experimentado con diversos estilos y técnicas, los clásicos contemporáneos están regresando a la visión romántica de la música como medio para expresar sentimientos y retratar el mundo interior del ser humano.
Las imágenes románticas, el psicologismo, los elementos programáticos y la síntesis de formas artísticas son características de la música eslava y, especialmente, de la música rusa, junto con la riqueza melódica, un exquisito lenguaje armónico colorista, la restauración de la función hedonista de la música y la atención al bienestar emocional del oyente, así como a la “alta estética y ecología musical positiva”. El Dr. Berliner es un verdadero aficionado a la música rusa y un ferviente admirador de Chaikovski, Rajmaninov, Prokofiev y Shostakovich.
La excelencia en la realización de la visión creativa del compositor es, en gran medida, el resultado de colaboraciones estrechas con músicos rusos, tanto intérpretes como coautores. En colaboración con su productor y amigo Najum Slutzker, el Dr. Berliner ha reunido a una constelación de profesionales, formando el laboratorio creativo conocido como Proyecto «Baruj Berliner’s Genesis International Project».
En este entorno, surgen proyectos atractivos y, lo más importante, nacen nuevas e incluso inesperadas interpretaciones de obras ya consagradas. Por ejemplo, el poema sinfónico «El sueño de Jacob» ha sido reinventado como un concierto para violonchelo y, posteriormente, como conciertos para viola, clarinete y violín. «Génesis» es otro emprendimiento que abarca una multitud de géneros.
El estreno del poema sinfónico «Génesis», que tuvo lugar en 2010 en Israel, no fue el punto culminante de la evolución de la obra, sino más bien un catalizador para su desarrollo creativo posterior. En primer lugar, el compositor amplió el poema, que originalmente constaba de seis partes, con la sección “Caín y Abel”, que ahora es central en la obra. En segundo lugar, «Génesis» ha servido de inspiración para muchos compositores. Al crear sus interpretaciones individuales de la pieza, han contribuido a su proceso de maduración.
«Génesis» ha atravesado una serie de transformaciones genéricas, a veces reinventándose de forma radical y otras veces revelando nuevas facetas inesperadas. Actualmente, existen versiones de la partitura adaptadas a diversos formatos de interpretación, incluyendo un ballet y una versión de rock sinfónico con escenografía.
Ahora ha surgido una nueva versión—una fantasía concertante para piano solista y orquesta sinfónica—coescrita por el brillante compositor moscovita Andrey Pospelov. Un concierto para piano de carácter programático es un fenómeno raro, más una excepción que una regla. Incluso en el siglo XIX, la era del sinfonismo programático, las sonatas programáticas, las piezas de concierto y las miniaturas pianísticas, se ofrecieron muy pocos ejemplos de este género. Sin embargo, uno de los casos notables es el Konzertstück de Carl Weber, una obra en un solo movimiento que representa escenas de la vida caballeresca.
El género del concierto se ha mantenido firme dentro de los límites de su tradición centenaria: aunque el Romanticismo y los movimientos artísticos posteriores introdujeron refinamientos al género, no se produjo ningún cambio revolucionario en sus particularidades musicales ni en su estética general. Por ejemplo, a diferencia de las óperas, sinfonías u otros géneros vocales e instrumentales, los conciertos para piano permanecieron indiferentes a los cambios políticos y a las turbulencias sociales, ya fueran la Revolución Francesa, los movimientos de liberación nacional europeos del siglo XIX, los conflictos en Oriente Medio o las feroces represiones estalinistas.
Las características inherentes al género son constantes e inmutables. Entre ellas están la interactividad, el elemento de competencia, y la propia esencia del concierto: el solista en el centro de atención, en contraste con el público y con los demás intérpretes. Este efecto se logra a través de la virtuosidad, un elemento fundamental del concierto. «Génesis» del Dr. Berliner es una obra altamente virtuosa, compuesta para el máximo dominio del piano que se puede alcanzar en la actualidad.
La Fantasía concertante «Génesis» es un ciclo de concierto romántico y sinfonizado que remite a las obras de Liszt, Brahms, Chaikovski, Rajmáninov y Prokofiev. La tendencia al entrelazamiento entre los géneros sinfónico y concertante ha determinado la estructura en cuatro movimientos de la composición, junto con la naturaleza programática del grandioso poema sinfónico, la conceptualidad sinfónica de la fantasía concertante, y el mensaje profundo que trasciende los límites del género concertístico, intrínsecamente lúdico.
Clave en esta fantasía concertante es el pianismo orquestal de Liszt y el pianismo percusivo de Prokofiev. A diferencia de otras composiciones del Dr. Berliner, dominadas por elementos melódicos distintivos, esta obra se basa principalmente en componentes percusivos y virtuosísticos. En ella convergen diferentes tipos de texturas: movimiento en octavas paralelas, acordes o terceras dobles; diversas progresiones con formas comunes que abarcan todos los registros del teclado; textura polifónica; y textura imitativa que evoluciona hasta llegar a la fuga en el tercer movimiento. Prokofiev calificó una vez los conciertos de Rajmáninov como “sinfonías para piano”, en las que el piano y la orquesta se funden armoniosamente. En la obra del Dr. Berliner, este proceso se da de forma natural, ya que su concierto ha evolucionado históricamente a partir de una pieza sinfónica. El solista y la orquesta interactúan constantemente, con algunas cadencias que incluso incluyen intervenciones orquestales; su diálogo no cesa en ningún momento.
El primer movimiento de la fantasía concertante consta de dos secciones que difieren marcadamente tanto en escala como en el mensaje que transmiten. La primera cumple la función de obertura, presentando las imágenes centrales de la composición—los leitmotivs de la creación del mundo y de la humanidad, por un lado, y el tema de la destrucción, por el otro. Esta sección corresponde a la primera parte del poema sinfónico, modificada mediante técnicas propias del concierto, como la improvisación y la inclusión de monólogos del piano solista y diálogos entre el piano y la orquesta. La parte del piano ha sido ampliada, y el nivel de virtuosismo requerido ha aumentado significativamente.
El inicio del concierto es idéntico al del poema sinfónico, donde las palabras del narrador: “Cuando Dios comenzó a crear el cielo y la tierra, la tierra era un caos total, con oscuridad sobre la superficie del abismo y un viento de Dios que aleteaba sobre las aguas”, son seguidas por la orquesta, que ofrece una representación sonora de la NADA de la cual se formó la tierra. Un retumbo lejano del timbal en registro muy grave se toca en pianissimo. Un débil rayo de la primera luz, representado por los violines agudos y el clarinete, es acompañado por los destellos atmosféricos del piano solista, que reflejan los vestigios de la explosión cósmica (“Y dijo Dios: ‘Que haya luz.’ Y hubo luz”).
De manera similar al poema sinfónico, los temas centrales son presentados y desarrollados por la orquesta, siguiendo el patrón de doble exposición típico de la forma concertante. Gradualmente, emerge el sobrio tema primigenio de la creación—el leitmotiv de la composición. Su carácter épico, tranquilo y rítmicamente pausado se ve interrumpido por una serie de motivos contrastantes que desencadenan inmediatamente un conflicto.
Primero, irrumpe un motivo de cuatro notas, compuesto por dos terceras menores unidas por una cuarta disminuida. Su ritmo es cortante, al igual que el timbre de la flauta y el piccolo, que sostienen el leitmotiv de la destrucción. A continuación aparece una variante de este último leitmotiv, ahora con un contorno melódico más quebrado, que es sustituido por una cita explícita del piano al Concierto en re menor para dos violines y orquesta de Bach, una obra que adquiere un significado particular dentro del poema.
La saturación gradual y la expansión dinámica de la textura conducen a un clímax brillante y exaltado, que anuncia el momento culminante de la Creación: la aparición de la humanidad.
El trasfondo de la Creación está compuesto por amplias progresiones ondulantes que se alternan con episodios intensos de pianismo percusivo interpretados por el solista, quien parece observar los procesos que se desarrollan, aguardando el momento de expresar sus sentimientos en el diálogo reflexivo y lírico que sigue. Estas progresiones también contribuyen a la saturación del material temático principal de la composición. Este breve diálogo actúa como transición hacia la segunda sección del movimiento, introduciendo el próximo tema principal—de carácter lírico.
Aunque el título del primer movimiento hace referencia a su sección inicial, el enfoque principal está en la segunda sección, que tiene el doble de duración. Esta segunda parte es idéntica al “Prólogo” del poema sinfónico homónimo. El prólogo fue añadido al poema después de que la composición original ya había sido completada y estrenada, y su música fue tomada de un poema sinfónico anterior e inédito del Dr. Berliner: «El Sacrificio de Isaac». El préstamo proviene del cuarto y central movimiento de dicha obra, que lleva el mismo nombre. Este prólogo no está vinculado a «Génesis», ni temática ni semánticamente. Sin embargo, la música es poderosa, impactante y dinámica, y con razón ha llegado a convertirse en la imagen principal del primer movimiento.
Como admite el propio compositor, «El Sacrificio de Isaac» se inspiró en la Sinfonía n.º 4 de Dmitri Shostakovich—compositor por el cual tanto el Dr. Berliner como el Sr. Slutzker sienten una profunda admiración. La música del clásico ruso ha servido con frecuencia como modelo para la obra del Dr. Berliner, influyendo tanto en su imaginería como en sus temáticas.
En el prólogo de «Génesis», un contraste típico de Shostakovich entre el ímpetu de un “scherzo violento” y la imagen de una angustia universal sigue los patrones de entonación frecuentemente utilizados por el compositor. La música del prólogo se reutiliza casi por completo en la segunda sección del primer movimiento. A pesar de conservar la estructura ternaria, la reinstrumentación ha aportado cierta espontaneidad a la forma. En la exposición, los temas son introducidos por el piano solista, mientras que en la recapitulación se mantienen las relaciones tonales, pero se produce una dinamización tímbrica: los temas ahora son interpretados por la orquesta. La forma sigue el principio del monotematismo, en el cual todo el material temático deriva exclusivamente del motivo agresivo inicial, que deja entrever una sonrisa diabólica.
El desarrollo de la sección de exposición sigue un patrón ondulante. El tema es presentado inicialmente por el piano solista, luego interpretado con mayor dinamismo por la orquesta, y una vez más, con intensidad creciente, por el piano acompañado de la caja (redoblante). El clímax presenta tres oleadas de acumulación, utilizando una variación más enérgica del motivo inicial.
El desarrollo dinámico intensivo alcanza una culminación siniestra (6), que da paso a una profunda tristeza y angustia (7).
La sección de desarrollo concluye con la cadencia del solista, quien revive y abraza el drama del material expuesto anteriormente.
La recapitulación, que muestra un mayor dinamismo, es más condensada. Los acontecimientos se presentan de forma intensamente concentrada, lo que incrementa aún más la tensión. En la cresta de la ola, emerge una nueva variante del tema, infinitamente lúgubre, acompañada por una procesión trágica de ritmo solemne, donde las emociones desbordan y el sufrimiento alcanza su punto más miserable.
Un clímax trágico concluye el primer movimiento.
El intenso dramatismo del primer movimiento es reemplazado por el exquisito lirismo del segundo, que narra la creación del jardín del Edén y de los primeros seres humanos. Esta historia suave y conmovedora de amor constituye la parte más romántica de «Génesis», tanto en el poema sinfónico como en el concierto. El Dr. Berliner posee un talento especial para la imaginería romántica: como poeta y compositor, cree que el arte verdadero es romántico en su esencia. El Romanticismo eleva las emociones a un valor absoluto. ¿Y qué es la música, sino una herramienta para expresar sentimientos?
El movimiento titulado Adán y Eva es el núcleo lírico tanto de la fantasía concertante como del poema sinfónico. Dado que el movimiento lento de los conciertos instrumentales remite al aria lamento, los compositores suelen emplear en esta sección melodías de carácter vocal junto con técnicas de desarrollo propias de los géneros cantados. Una melodía cantabile acompañada es una textura típica de las composiciones románticas, desde la Sinfonía inacabada de Schubert y el Concierto para violín de Mendelssohn hasta los elementos líricos neorrománticos de los conciertos de Prokofiev. Un romance en ritmo de vals con acompañamiento de laúd y mandolina (pizzicato suave en violonchelo y contrabajo) captura a la perfección una emoción divinamente sublime, y a la vez colmada de calidez y sensibilidad humanas.
Conceptualizado por los romanticistas, el “piano que canta” fue considerablemente reinventado en los siglos XX y XXI. Sin embargo, sus cualidades originales reaparecen ocasionalmente. En una ocasión, se le preguntó a Rachmaninoff sobre el primer tema de su Concierto para piano n.º 3. La respuesta del compositor fue muy simple: “Quería ‘cantar’ la melodía en el piano, como lo hacen los cantantes, encontrar un acompañamiento orquestal adecuado o, mejor dicho, uno que no apagara el ‘canto’. Eso es todo”.
La melodía de amplio flujo del segundo movimiento —una transformación monotemática del tema de la creación de la humanidad— está enmarcada por los trinos de los pájaros en el sereno jardín del Edén. La ternura temblorosa de las secciones externas da paso al éxtasis jubiloso de las improvisaciones del piano solista, que se desvanecen gradualmente y se disuelven en un sosiego silencioso.
La ola de intenso drama del primer movimiento vuelve a arrollar al oyente en el tercer movimiento de la fantasía concertante, “Caín y Abel”, un scherzo dramático por su género, que sirve como intermedio. Este movimiento ha experimentado las modificaciones más significativas en comparación con el poema sinfónico. Ha sido notablemente abreviado, omitiéndose un largo episodio de las reflexiones de Caín, su lamentable elección y el asesinato de su hermano Abel. La fantasía concertante retrata los acontecimientos que ocurren después del atroz crimen de Caín y su condena por parte de Dios.
De forma similar al poema, el tercer movimiento se abre con una introducción lenta que recuerda a la del primer movimiento. En medio de los glissandi ásperos de los timbales y el retumbo apagado de los contrabajos a un tempo lento y un nivel dinámico suave, el xilófono en el registro agudo desarrolla un motivo mordaz y apresurado de Caín, una variante del tema de la destrucción. En la fantasía concertante, gran parte de la parte del xilófono fue transferida al piano solista. En este último caso, el timbre brillante del instrumento se convierte en el principal medio de expresión, dando al sencillo motivo basado en terceras el carácter de una mueca diabólica (“El pecado acecha a la puerta; su deseo es hacia ti, pero tú puedes dominarlo”).
La sección principal es una fuga. El elemento de la destrucción ha invadido el universo: la armonía de la Creación ha sido alterada. El horror y la confusión reinan mientras el pecado lleva al mundo al borde de la aniquilación. El material musical se concentra al máximo, y la tensa dramaturgia avanza hacia su resolución.
Tres motivos contrastantes—tres motivos del leitmotiv de la destrucción—constituyen el tema de ocho compases de la fuga triple (4+2+2 compases):
Ahora despojado de su lirismo, el motivo inicial del tema principal del tercer movimiento del poema sinfónico, “La Expulsión del Paraíso”, sirve como un contrasujeto recurrente.
Los interludios se construyen sobre un tema mecánico agresivo, casi una cita directa del tema de la invasión de la Sinfonía n.º 7 de Shostakovich, «Leningrado». En el interludio, una ola que se intensifica se eleva, ganando fuerza con cada sección de la fuga y conduciendo a un trágico clímax final donde el tema de la invasión surge como un símbolo de enemistad, guerra, asesinato y maldad global:
En la coda, el tumulto se desvanece, significando la aniquilación total. La armonía del mundo se rompe, y la siniestra procesión se retira. La trama mitológica y los temas eternos se transforman repentinamente en los acontecimientos del pasado reciente, vividos por el compositor como niño: la partida de los soldados del Tercer Reich de una tierra devastada pisoteada por sus botas.
El final, “El Diluvio y el Pacto,” amalgama el material de los últimos dos movimientos del poema sinfónico. Su gran y expansivo lienzo, de igual magnitud que el primer movimiento, sirve como el clímax del desarrollo dramático, temático y musical de la fantasía concertante. El arco temático que se extiende desde el primer movimiento hasta el final—una característica definitoria del concierto sinfónico romántico—proporciona a la composición unidad dramática. Este sentido de unidad se refuerza aún más en la fantasía concertante mediante el sistema de leitmotivos y el principio de monotematicismo.
Con una épica lentitud, un tema agradable, melódico y de estilo jazz por el piano solista marca el comienzo de la narrativa (13). Este tema transita suavemente al del Arca de Noé, que es una variación en tono mayor del leitmotiv de la Creación—en el poema sinfónico, se interpreta con las palabras del lector “y el arca flotaba sobre las aguas”. El tema está armonizado de manera colorida en el mismo estilo jazz (14). La abundancia de adornos de color tonal en el lenguaje armónico es una característica destacada de la versión del concierto de «Génesis».
La serena calma de la parte del piano se ve interrumpida por las ominosas gotas del inminente aguacero, representadas por el xilófono, las flautas, el piccolo y el arpa. Esto marca la transición hacia la sección media. El leitmotiv de la creación del ser humano aparece fugazmente, primero interpretado en tono mayor por las flautas y luego en tono menor por los clarinetes (en el poema, coincide con las palabras “…toda la humanidad. Todo lo que tenía aliento de vida en sus narices sobre la tierra firme murió”).
Los pasos agazapados de la muerte (pizzicato en violonchelos y contrabajos), seguidos por un crescendo rápido, una acumulación de energía y una caída en una tormenta demoníaca y furiosa. “El Diluvio” es la escena musical más colorida e ilustrativa del ciclo, donde episodios dramáticos, tensos y cargados de acontecimientos se alternan con otros decorativos y pictóricos. En comparación con el poema, la sección media de la fantasía concertante incluye episodios del piano solista y diálogos con la orquesta, transmitiendo una perspectiva personal, emoción interna y lucha psicológica interior. El dramatismo y la vívida imaginería se fusionan para retratar sentimientos más que hechos.
Las extensas cadencias improvisadas del piano abruman por su potencia y grandeza, desatando ante el oyente todo el arsenal del virtuosismo pianístico. Los clímax del tutti orquestal, reforzados por la percusión, torrentes de agua en glissandi del arpa y pasajes de maderas, pintan una catástrofe universal. En el corazón de la tormenta se encuentra el leitmotiv de la destrucción, conocido desde el primer movimiento. La escala descendente de tonos enteros aporta un carácter místico al material. La primera ola de clímax trae consigo el sonido apocalíptico del tema de la cruz interpretado por los trombones—un tema que simboliza el sufrimiento inhumano.
Cinco episodios, organizados en un patrón dramático en forma de ola, conducen hacia el gran clímax de la catástrofe:
Un episodio de pintura tonal que representa el retroceso de las aguas se expresa mediante pasajes cromáticos descendentes en los instrumentos de viento y el piano en diminuendo, a los que se van uniendo gradualmente las voces de la orquesta. Luego, interviene el piano solista, retomando el tema del arca (“Sólo Noé quedó”, dice el narrador del poema en este momento). La recapitulación (“El Pacto”) actúa como la culminación del intenso drama instrumental. La tormenta ha cesado. Brillantes y serenas cascadas improvisadas del piano atraviesan todo el teclado, proyectando un arco iris en el cielo. El solista desarrolla el tema inicial con una cadencia extática y jubilosa, simbolizando el renacimiento y la nueva vida.
La textura orquestal, de múltiples capas y amplio rango, envuelve el espacio con calidez y luz, impregnándolo de trinos celestiales. La cadencia desemboca en el gran clímax del final: el timbre brillante de las trompetas atraviesa el sonido de la orquesta, afirmando con fuerza el tema de la creación del ser humano del primer movimiento. En un clímax verdaderamente lírico y épico al estilo de Rachmaninoff, se proclama el triunfo de la humanidad. Tras haber recorrido el espinoso camino de la lucha y el conocimiento, las conmociones de la vida y los conflictos internos, el ser humano se ve ahora colmado por la luz y la alegría de la perfección espiritual y la armonía con el mundo:
Así, el concepto de la fantasía concertante difiere ligeramente del del poema sinfónico en el que se basa. En el poema, la idea de la absolución, expresada en las líneas finales del texto, da forma al material musical. En el clímax, la fusión del leitmotiv de la Creación con los temas del arco iris y la naturaleza simboliza la armonía del universo y la unidad de la humanidad con la naturaleza y con Dios. Esta nueva interpretación puede derivar de la especificidad del género concertante. Conceptualmente, la sinfonía, como el género instrumental más amplio, explora el mundo y el papel de la humanidad en él. El poema sinfónico de varios movimientos de Baruj Berliner, que aborda temas universales, es sin duda comparable a una sinfonía. Sin embargo, un concierto, especialmente uno de corte romántico, contempla a la humanidad desde una perspectiva más personal, retratando la conexión entre el mundo interior y el mundo exterior.
La conclusión alegre y triunfal de la fantasía concertante sitúa a la humanidad en un pedestal, presentando al ser humano como la cúspide de la creación, capaz de alcanzar la sabiduría, la libertad y la felicidad a través de la lucha.
La fantasía concertante «Génesis» se estrenó el 12 de octubre de 2023 en la Filarmónica de Vorónezh con gran reconocimiento. La interpretación contó con Philip Kopachevsky como solista y la Orquesta Filarmónica de Vorónezh bajo la dirección de Mikhail Kirchhoff.
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De los muchos conciertos para piano compuestos en los siglos XX y XXI, solo unos pocos han perdurado en el repertorio. Mientras los pianistas regresan constantemente a los conciertos románticos de Chaikovski, Rachmaninoff, Liszt, Chopin, Grieg y Prokofiev, las obras que presumen de innovaciones técnicas y sonoras de moda suelen tener una vida breve. Una vez estrenadas, suelen ser relegadas a los rincones olvidados de la historia de la música.
Berliner, sin embargo, lleva intacto el concierto romántico a través del espinoso camino del expresionismo, modernismo, constructivismo, urbanismo y posmodernismo, enriqueciéndolo con los elementos más viables de los movimientos y estilos contemporáneos. Esperamos que los pianistas de hoy acojan esta inspiradora creación del compositor israelí e incorporen la fantasía concertante a su repertorio.
Marina Plazinskaya
Notas:
1. El siglo XX fue testigo del surgimiento de diversos géneros intermedios que sintetizaban elementos sinfónicos, de música de cámara y de concierto, e incluso, en ocasiones, incorporaban géneros teatrales, particularmente el ballet. Casi todos los compositores de la época experimentaron con la síntesis de diversas formas artísticas. Estos esfuerzos dieron lugar a obras destacadas como el poema sinfónico Prometeo: el poema del fuego de Aleksandr Skriabin para piano, Kammermusik y Konzertmusik de Paul Hindemith, Les noces, Petrushka y Sinfonía en tres movimientos de Igor Stravinski, Aubade de Francis Poulenc, Concierto de cámara de Alban Berg para piano, violín y trece instrumentos de viento, Sinfonía concertante de Karol Szymanowski para piano y orquesta, y Sinfonía n.º 7 de Mieczysław Weinberg para clavecín.
2. Kulev, V. Posvyashchenie klassikam: buklet [Homenaje a los clásicos: folleto]. CD Posvyashchenie klassikam [Homenaje a los clásicos] (recurso electrónico). OOO Mikhaylov, 2013.
3. Entre los coautores e intérpretes de las obras de Baruj Berliner se encuentran los rusos Mikhail Kirchhoff, Evgeny Atsapkin, Andrey Pospelov, Sergey Antonov, Boris Andrianov, Haik Kazazyan, Nikita Vaganov, Graf Mourja y Philipp Kopachevsky.
4. El ballet se estrenó el 4 de diciembre de 2022 en el Teatro Nacional Académico de Ópera y Ballet Maldybaev de Kirguistán. La Comisión Creativa del Ministerio de Cultura de Kirguistán lo incluyó en el repertorio del teatro. El proyecto fue gestionado por Evgeny Atsapkin, con libreto de Olga Kuznetsova. La coreografía fue creada por Dmitry Pimonov, y los trajes fueron diseñados por Dmitry Pimonov y Tatyana Astakhova. Mikhail Kirchhoff dirigió la orquesta sinfónica del teatro, mientras que la compañía de ballet estuvo dirigida por Iazada Tumakova, Artista Nacional de Kirguistán. El proyecto fue producido por Nachum Slutzker.
5. Otra versión, arreglada por Ronen Nissan en 2020, se estrenó en Lviv en 2021. En 2022, el Genesis Rock Show, coautorado por Evgeny Atsapkin, quien también escribió las canciones para la actuación, fue presentado al público en Kaliningrado.
6. Andrey Pospelov (nacido en 1994) es compositor y profesor de teoría musical. Titulado con numerosos premios, obtuvo el tercer lugar en la categoría de composición en el Primer Concurso Internacional Rachmaninoff para Compositores, Pianistas y Directores de Orquesta, y recibió un premio especial en la segunda edición del concurso All-Russian Partitura en la categoría de obra sinfónica de gran escala. El Sr. Pospelov ha compuesto piezas de música de cámara y sinfónicas, así como música para producciones teatrales y medios. Es director artístico de la asociación Chamber Underground, que promueve la música clásica contemporánea. Es graduado del Instituto Pedagógico Estatal de Música Ippolitov-Ivanov con un título en Musicología (2019), y obtuvo su doctorado en Composición en 2022.
7. El padre del concierto para clavicordio, Johann Sebastian Bach, estableció la estructura ternaria, que define las funciones dramaturgicas y los efectos de cada parte: parte I—el centro de gravedad—efectividad; parte II—el núcleo lírico—profundidad psicológica (derivada de las arias de lamento); parte III—el final equilibrante—el elemento del género. Los clásicos vieneses enriquecieron el concierto con dramaturgia sinfónica. Pero, a diferencia de la sinfonía, el concierto carecía del tercer movimiento—intermezzo—ya que este género esencialmente lúdico no requería un elemento lúdico dedicado. El intermezzo solo estaba presente en los conciertos cuyo mensaje profundo y reflexivo los asemejaba a las sinfonías, como el concierto para piano en si mayor de Brahms.
8. Esta estructura recuerda al primer movimiento de la Sinfonía Fantástica del fundador del sinfonismo programático, Hector Berlioz.
9. En la versión original, este ‘tintineo cristalino’ fue creado por el xilófono, el arpa y la flauta, acompañados por el piccolo. En la partitura de la fantasía concertante, la mayoría de la parte del xilófono ha sido transferida al piano solista.
10. Véase Plazinskaya, M. Simfonicheskaya poema Barukha Berlinera “Sotvorenie mira” v kontekste bibleyskoy tematiki v mirovom iskusstve [Poema sinfónico Génesis de Baruj Berliner y Temas Bíblicos en el Contexto de la Historia del Arte]. Tel Aviv, 2022. ISBN 978-965-561-270-7. Pág. 125–126; Plazinskaya, M. “Baruj Berliner. Poema sinfónico Génesis”. Belcanto.ru.
11. Iz arkhivov russkikh muzykantov [De los Archivos de los Músicos Rusos]. Moscú, 1962, p. 62.
12. La estructura de la fuga se basa en los preceptos tradicionales del género. La exposición contiene tres declaraciones del tema, utilizando una relación tónica-dominante (piano en si, segundos violines y violas en fa sostenido, y primeros y segundos violines en si). Estas conducen al primer clímax en el interludio (piano, seguido por trombones en fa sostenido). Otra declaración en fa sostenido resuelve en el segundo clímax (violonchelos, contrabajos en si). El tratamiento tonal y timbrico del tema (A – E – A – E), junto con el stretto, forma la sección de desarrollo. El desarrollo continúa hacia la recapitulación, que regresa a la tonalidad principal (stretto, tema en aumento). La coda introduce un cambio tonal a si menor, donde concluye el tercer movimiento.
13. La melodía fue compuesta por Andrey Pospelov, con la fantasía concertante conservando su textura inicial.
14. “…nunca más toda carne será cortada por las aguas de un diluvio, y nunca más habrá un diluvio para destruir la tierra.” Dios dijo además: “Esta es la señal que pongo para el pacto entre Yo y ustedes, y toda criatura viviente con ustedes, para todas las generaciones venideras. He puesto Mi arco en las nubes, y será la señal del pacto entre Yo y la tierra.”
Fuente: www.belcanto.ru